Einfache Nachahmung

Wollte aber jemand die Künste verachten, weil sie der Natur nachahmen, so läßt sich darauf antworten, daß die Naturen auch manches andere nachahmen.

Mimicry heeft zich in de natuur bewezen als overlevingstechniek. Een specifiek type, biomimicry, betreft onze diersoort die een onderdeel van de rest van de natuur imiteert om eigen problemen op te lossen. Wij leren door te imiteren, het zit in ons. Ook in de kunst wordt nagebootst: Jet en Airco schreven hier eerder over al dan niet plagiaat. Wat nog ontbreekt rond het thema Great Artists Steal is wat Griekse filosofen en een Duitse dichter.

Imitatio, het imiteren van oude meesters, is bij de oude grieken een beproefde werkwijze voor kunstenaars (“good artists copy” i.e. nadoen), evenals het nastreven, met als doel de meesters te overtreffen: aemulatio (“great artists steal” i.e. zich eigen maken). Even doorbijten, nog twee klassieke termen horen in deze context: mimesis (i.e. het imiteren van de natuur, in dichtkunst de directe rede) in tegenstelling tot diegesis (i.e. de indirecte rede, navertelling). Al deze begrippen vinden in de Renaissance natuurlijk nieuwe urgentie. In die tijd deelt Vasari de nabootsing van de natuur in drie gradaties in: onbeholpen natekenen, nauwkeurige nabootsing en het overtreffen van de werkelijkheid.

Dit gaat allemaal bijna te ver, ik weet het, maar het is belangrijk om bij die Duitse dichter te komen. Goethe heeft deze driedeling genomen en omgevormd tot drie stappen in de ontwikkeling van een kunstenaar: Einfache Nachahmung der Natur, Manier, Stil (1789). En ja, goed gezien: de nauwkeurige nabootsing van de natuur is bij hem beperkt tot de eerste. Die stap werd ijverig toegepast in kunstacademies, waar studenten tot in den treure voorwerpen en modellen moeten tekenen. Het is dan ook een goede oefening om te leren kijken.

Als je dat een beetje onder de knie hebt, ga je verder met Manier, naar het Italiaans dipingere di maniera ofwel uit je hoofd tekenen. Je reproduceert niet klakkeloos een boom, maar snapt hoe zo’n ding werkt: wortels, stam, takken, bladeren, licht, schaduw etc. Je voegt bij het nabootsen de subjectieve factor toe door keuzes te maken, zoals welke details jij karakteristiek vindt.

Stil is in Goethes theorie de hoogste graad, ja de hoogste graad die kunst ooit bereiken kan. De kunst maakt zich hier los van de nabootsing en kan op eigen benen staan, op dezelfde basis als de natuur: “[Die Kunst geht] auf jenes Vernünftige [zurück], aus welchem die Natur bestehet und wornach sie handelt” (1). De kunst heeft aemulatio bereikt, de kunstenaar heeft zich de natuur eigen gemaakt. Hij kan het wezen der dingen in beeld vatten omdat hij begrijpt wat hij namaakt. Een goede kunstenaar is ook anatomicus, botanicus, architect, etc.

Goethe waardeert Manier hoger dan einfache Nachahmung, en plaatst Stil weer daarboven. Hij gebruikt ze als gradaties in talent, zeker, maar ook als volgorde van ontwikkeling. En hij vindt elk stadium belangrijk: de hoogste is niet mogelijk zonder de laagste. Zo dacht hij ook, hieraan verwant, over ambacht versus kunst: kunst staat weliswaar hoger (een ontwikkelingsstap verder) maar ambacht is net zo noodzakelijk. En ambachtslieden kunnen hun ambacht in hoge mate doorontwikkelen, veel verder dan de kunstenaar die na basisbeheersing van het ambacht doorleert. De een is niet beter dan de ander, het is gewoon een ander vak.

Great Artists Steal is natuurlijk een wat provocerende uitspraak, maar verwijst wel degelijk naar de lange ontwikkelingsweg die een goede kunstenaar aflegt om via het overnemen van beeld (lenen) tot het eigen maken ervan (stelen) te komen en zo de hoogste trede te bereiken.

Denn die Götter lehren uns ihr eigenstes Werk nachahmen; doch wissen wir nur, was wir tun, erkennen aber nicht, was wir nachahmen.

Ben van der Wel (kunstenaar en germanist)

afbeelding (in drieën): Leafy Schism

(Openingscitaat) en (1) Goethe, Wilhelm Meisters Wanderjahre oder Die Entsagenden, 1829. Aus Makariens Archiv. Hamburger Ausgabe, Band 8, blz 463. (naar Plotinus) = WMWJ. De verzameling gedachten en spreuken Aus Makariens Archiv – lang niet allemaal van Goethes eigen hand – waren ook bedoeld als gedachtenoefeningen en uitgangspunten voor gedachtenwisseling. Met ditzelfde doel ook door mij hier overgenomen.

(Slotcitaat) WMWJ, blz 460 (naar Hippokrates).

Great Artists Steal bij Popinnart

[products limit=”6″ columns=”3″ attribute=”expo” terms=”gas” orderby=”rand”]

Metalpoint

in the anglosaxon countries with more traditional academies, metalpoint is still taught and used. in the netherlands however, the technique is quite uncommon. therefore a small introduction is in place (oddly enough in the lingua franca of todays art world: english). metalpoint is predecessor to the pencil, or in dutch *potlood*, which still has the word *lead* in it. soft metals, like lead, copper, silver or gold are used, though mostly silver, which has the best softness and quality for money ratio.

ground

metalpoint is a drawing technique, in the beginnings sometimes applied on parchment, but mostly on paper. on it, being prepared with a coursing agent like chalk or marbledust, a thin metal rod can be used to scratch lines that cannot be erased. in the italian renaissance, (purple ao) coloured grounds were used with white egg tempera highlights, whereas flemish masters mostly used white or cream grounds.

contrast

the contrast is subject to the type of metal used, but always quite a lot less than most other drawing techniques like graphite or charcoal. although the endresult resembles to the untrained eye that of a pencil drawing, the drawing technique is utterly different. whereas with pencil you can darken the line by applying more pressure, with metalpoint the hue darkens only by carefully building up hatching lines. it feels almost halfway like painting rather than line drawing.

hue

all metalpoints give gray lines with only very slight hue differences. it starts out grey that subsequently discolours due to oxidation (in most cases). lead will turn blueish grey, copper yellowish grey, silver brownish grey, but gold will just stay grey. the ground sands off very small particles, which lose their colour in the violent white light (on a black ground, gold will have a light goldish hue). gold does not oxidate. silver does: a little brownish layer, then stops – unlike iron (silverware turns black instead of brown because of seliva and soap etc). and yes: a gold- or silverpoint drawing really is made out of gold or silver (particles).

renaissance

metalpoint is old, at least used since the 1400s. it was especially popular amongst renaissance artists, like Leonardo da Vinci  and Jan van Eyck – though more out of necessity (the pencil having to be invented yet). it was used as a sketching technique and/or to set up paintings (almost never meant as final result – although there has to be said that in the south, paintings were more valued, whereas in the north of europe, with a growingly rich commoners class, drawings were a serious business too).

revival

after the renaissance, graphite replaced metalpoint. the latter was forgotten until the end of the 19th century, until romantic artists and the prerafaellites, digging old crafts, dug up the technique. it is then, that goldpoint became more common, for aesthetic reasons. since, it has been steadily used by a modest number of artists. recently (2010s), there’s a small pickup with several solely metalpoint exhibitions in New York and London.

present

bought directly from the precious metal whole seller, I mostly use 999 silver and 999 gold (or 24 carat).  and of course only the best paper (Hahnemühle): it has to endure the wet grounding and then the metal scratching and pressuring without deforming. my frames vary from none, complementary, regular, to the best (Mertens), depending on your wishes and means.bottomless pit (2018), with complementary frame

Bovenste verdieping, zaal 40

Zo verliefd zijn dat het voelt alsof alles als één organisme via de zinnelijketuigen wordt ingenomen. Samen als één eten, naar muziek luisteren, dansen, de wereld aanschouwen en aangeraakt zijn. Maakt het dan wat uit waar we ons bevinden?

Ja.

Eens was ik in Parijs met mijn verse geliefde om de liefde te vieren. In Musee D’Orsay ging hij zitten … wachten, op mij. Kunst bleek hem toch niet erg te boeien en dus werden onze ogen weer mijn ogen en zijn ogen werden weer van hem.
Ik heb zo’n beetje alles gezien wat er te zien was in Musee D’Orsay, terwijl hij onbewogen en toch wel geduldig, enigzins stoïcijns, bleef zitten wachten.

Helemaal bovenin, in zaal 40, ontmoette ik Odilon Redon en ik werd … verliefd!
Door zijn ogen zag ik de schoonheid van de zee, we deelden onze fascinaties en we begrepen zonder te praten dat Venus wel uit een schelp geboren moest worden en we lachten hier samen om. We vergaten de tijd.

Ik wil alleen nog zeggen dat de liefde voor Redon bestendiger bleek dan die andere.

Geertje Geertsma, 9 januari 2019

Great Artists Steal bij Popinnart

[products limit=”6″ columns=”3″ attribute=”expo” terms=”gas” orderby=”rand”]

Welkom op de nieuwe site

“Dit is geweldig!” Toen ik van mijn vriend Ben hoorde dat Popinnart een nieuwe website nodig had én er een kunst/webshop van wilde maken, was ik meteen verkocht. Die klus wilde ik hebben, ongeacht wat ik ervoor zou krijgen. Drie maanden verder, op de eerste verjaardag van Popinnart, en we kunnen de site annex online-gallerij/ webshop nu al vrijgeven voor het publiek. Laat de eerste koper maar komen!

Kijk, weet je wat het is met kunst. Het vermaakt ons. Het maakt ons blij of het doet ons fronsen. Maar het doet iets met ons. Kunst is gewoon noodzakelijk en kunst maken is iets wat zoveel mogelijk gepromoot zou moeten worden. Ik heb zelf weinig geld om kunst aan te schaffen. Maar wat ik wel kan, is mij voor de kunst inzetten. En dat is wat ik voor Popinnart heb willen doen: mijn kennis en kunde gebruiken voor een groep kunstenaars die deze kennis juist niet heeft maar wel zeer nodig heeft.

Maar makkelijk was dit zeker niet! Eén vereiste was dat iedere kunstenaar haar eigen shop kon beheren. Het was niet de bedoeling dat iemand dit ging doen voor de kunstenaars. Alle betrokkenen moesten zelf in staat zijn om alles in het systeem in te voeren, én we willen de producten online verkopen via een gezamenlijke afrekening. Klinkt makkelijk, toch?

Nou nee, zo makkelijk is dat niet. Maar gelukkig zijn dit soort dingen niet meer zo heel moeilijk te doen. De tijd dat je dit soort webshops helemaal zelf moet bouwen is gelukkig voorbij. In dit geval heb ik gebruik gemaakt WordPress in combinatie met Woocommerce. Een aantal plugins hebben mij geholpen om er een soort marktplaats van te maken voor de kunstenaars. Maar het meeste tijd gaat vervolgens zitten in het aanpassen van functionalteit, de design optimaliseren voor een goede gebruikerservaring van én de kunstenaar én de bezoeker, én de bots. En juist daardoor ben je soms eindeloos bezig om kleine noodzakelijke dingetjes blijvend te veranderen, totdat je wel tevreden bent.

Al met al is het wat mij betreft een zeer geslaagde implementatie en ik wens alle kunstenaars heel veel succes hiermee!

Robino

Hedendaagse kunst bij Popinnart

[products limit=”6″ columns=”3″ orderby=”rand”]